¡LA NUMERACIÓN DE LAS ARTES!

La enumeración de las artes proviene de una clasificación realizada durante el período helenístico, en la cual se fijó como al arte más importante a la poesía. De ella, se argumentaba, provenían todas las demás artes.

La clasificación de las artes propia de la ideología feudal en la Alta Edad Media las dividió entre:

ARTES LIBERALES: las que liberaban del trabajo manual, aceptables para los estamentos privilegiados y se numeraron como siete (las siete artes), identificadas con el sistema educativo carolingio:

Trivium-

⦁ gramática  

⦁ retorica

⦁ dialéctica

Quadrivium-

⦁ aritmética

⦁ geometría

⦁ astronomía

⦁ música

ARTES MECÁNICAS: las que implicaban trabajo manual, y por tanto eran incompatibles con ese estatus. También fueron numeradas como siete las mecánicas.
A partir del Renacimiento, la puesta en valor de la figura del artista y su actividad (identificadas con las del humanista) determinó la creación de nuevos conceptos:

ARTES MAYORES, numeradas como tres:

⦁ pintura

⦁ escultura

⦁ arquitectura

LAS BELLAS ARTES, numeradas como cinco:

⦁ pintura

⦁ escultura

⦁ música

⦁ poesía

⦁ danza

 La superposición de ambos da una numeración de seis artes (número que coincide con el de una clasificación china de las artes ).

No hay una ordenación universalmente aceptada entre esas seis artes (pintura, escultura, arquitectura, música, danza y poesía -o literatura-) que identifique un primer arte, segundo arte, tercer arte, cuarto arte, quinto arte o sexto arte. No obstante, sí que se utiliza la expresión séptimo arte para identificar al nuevo arte que se añada a la lista. Muy habitualmente se suele denominar así "al cine", desde que Ricciotto Canudo acuñara la expresión en su Manifiesto de las siete artes (1911).

 Las expresiones octavo arte, noveno arte, décimo arte, etc. se utilizan de forma menos unívoca, para identificar como artes, y por tanto prestigiarlos, poniéndolos al mayor nivel posible entre todas las manifestaciones artísticas y culturales, al cómic, la fotografía, la televisión, la publicidad, los videojuegos, etc.

¡La pregunta jamas antes resuelta!

¿Que es el Arte?

El artista es el creador de las cosas bellas. 
Revelar el arte y ocultar al artista es la finalidad del arte.

El crítico es quien puede traducir a otra forma o a un nuevo material su impresión de las cosas bellas.
La más elevada, así como la más baja, forma de crítica es la de autobiografía. 
Los que encuentran intenciones feas en las cosas bellas son corruptos sin encanto. Ésa es su falta. 
Los que encuentran intenciones bellas en las cosas bellas son los cultivados. Para éstos hay esperanza. 

Existen los elegidos para quienes las cosas bellas significan sólo belleza. 
No existen tales cosas como los libros morales o inmorales.
Los libros están bien escritos o están mal escritos. Eso es todo. 

La aversión del siglo XIX al realismo es la rabia de Calibán al ver su rostro en el espejo.
La aversión del siglo XIX al romanticismo es la rabia de Calibán al no ver su rostro en el espejo. 
La vida moral del hombre forma parte del tema del artista, pero la moralidad del arte consiste en el uso perfecto de un medio imperfecto. 

Ningún artista desea probar nada. Hasta las cosas que son ciertas pueden probarse.
Ningún artista tiene tendencias éticas. Una tendencia ética en un artista es un imperdonable manifiesto de estilo. 
Ningún artista es nunca mórbido. El artista puede expresarlo todo. 

El pensamiento y el lenguaje son para el artista instrumentos del arte. 
Desde el punto de vista de la forma, el modelo de todas las artes es el arte de la música. Desde el punto de vista del sentimiento, la profesión del actor. 
Todo arte es a un tiempo superficie y símbolo. 
Los que buscan bajo la superficie, lo hacen a su propio riesgo.
Los que interpretan los símbolos, lo hacen a su propio riesgo. 

Es al espectador, no a la vida, lo que refleja realmente el arte. 
La diversidad de opiniones sobre una obra de arte demuestra que la obra es nueva, compleja y vital. Cuando los críticos difieren, el artista está en armonía consigo mismo. 
Podemos perdonar a un hombre por hacer algo útil siempre que no lo admire.
La única excusa para hacer algo inútil es que uno lo admire intensamente. 

Todo arte es completamente inútil.     

Jean-Paul Sartre: EXPOSICIÓN DE SU PENSAMIENTO: CONCEPTOS FUNDAMENTALES

Jean-Paul Sartre (1905-1980) quiere asumir hasta el final la muerte de Dios anunciada por Nietzsche. Dios no existe, pero sin embargo no todo está permitido. Vivimos en la contingencia absoluta, la gratuidad irremediable del existir. Pero este desamparo metafísico abre también la puerta a una nueva dimensión del vivir humano que de otro modo quedaría oculto: nuestra libertad. Paradójica condena esta de tener en cada momento que elegir y disponer, desde la soledad individual, de todos nuestros recursos para actuar, incluidos también nuestros proyectos de vida fundamentales. En este gesto creador tenemos como límites únicamente los que se refieren a su propia posibilidad; Sartre creerá que no es poco, pues con ello cabe planificar una vida moral y política. Moral y política en tanto que establece el esquema de una vida auténtica, vida propia e individual que, desde la responsabilidad que sobreviene al saber que el proyecto vital elegido compromete también a la comunidad, debe igualmente favorecer formas de organización social fundamentadas en la libertad.  El sujeto sartreano no es el como el cogito de Descartes: ciertamente el cogito de Descartes es imprescindible para el logro del conocimiento, pero olvida que es en la mirada del otro, que me puede acoger desde la hostilidad o desde la aceptación, como podemos reconocernos y aprehendernos. Estos son los temas fundamentales de Jean-Paul Sartre, uno de los representantes más importantes del pensamiento existencialista (y, según él mismo lo definió, humanista) europeo.

Palabras de Sartre: 

    “El existencialismo ateo que yo represento es más coherente. Declara que si Dios no existe, hay por lo menos un ser en el que la existencia precede a la esencia, un ser que existe antes de poder ser definido por ningún concepto, y que este ser es el hombre, o como dice Heidegger, la realidad humana. ¿Qué significa aquí que la existencia precede a la esencia? Significa que el hombre empieza por existir, se encuentra, surge en el mundo, y que después se define. El hombre, tal como lo concibe el existencialista, si no es definible, es porque empieza por no ser nada. Sólo será después, y será tal como se haya hecho. Así, pues, no hay naturaleza humana, porque no hay Dios para concebirla. El hombre es el único que no sólo es tal como él se concibe, sino tal como él se quiere, y como se concibe después de la existencia, como se quiere después de este impulso hacia la existencia; el hombre no es otra cosa que lo que él se hace. Este es el primer principio del existencialismo solución.”

ARTE URBANO

"La Nueva Expresión"

El término arte urbano o arte callejero, traducción de la expresión inglesa street art, hace referencia a todo el arte de la calle, frecuentemente ilegal. El arte urbano engloba tanto al grafiti como a diversas otras formas de expresión artística callejera. Desde mediados del los años 90 el término street art o, de forma más específica, se utiliza para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, posters, pegatinas, murales....), que se alejan del famoso grafiti pero no siempre tiene que ser en paredes pues ahora en el 2013 en la actualidad siglo 21 ya es posible todo, incluso dibujar en forma experta 3D.

El arte callejero, al integrar sus elementos en lugares públicos bastante transitados, pretende sorprender a los espectadores. Suele tener un llamativo mensaje subversivo que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión. Sin embargo, existe cierto debate sobre los objetivos reales de los artistas que actualmente intervienen el espacio público, algunos dañando el espacio privado y en pocas palabras destruyendo es por eso que ahora se les corrige con un buen castigo si es que los llegan a ver.

Cabe mencionar que también a las personas que tienen un talento "nato" se les asigna un lugar apropiado y que sea legal antes que nada, en esos espacios esas personas pueden plasmar diversas cosas obviamente promoviendo temas de sumo interés como contaminación, el agua, la naturaleza, la historia etc. eso si sin ofender de cierta forma a la demás gente que aprecia lo que se puede visualizar.

Técnicas

El estarcido (stencil) y la pintura en spray, es la forma en donde se puede encontrar mayor diversidad de estilos y búsquedas estéticas por los artistas del movimiento. Aunque también en pegatinas y pósteres, es donde podemos ver la evolución de este arte de la calle.Los normógrafos (reglas perforadas que permiten reproducir las letras del alfabeto normalizadas) se basan en la técnica del estarcido que en este caso se enfocan al graffiti, una de las formas más usuales de hacerlo es recortando la imagen deseada sobre una hoja de papel duro; el dibujo aparece como un espacio abierto con zonas sólidas alrededor. La plantilla así obtenida se sitúa sobre una nueva hoja de papel y se aplica la pintura sobre toda la superficie. Las zonas de pintura que llegan a la hoja inferior quedan limitadas a la forma de los huecos de la plantilla, creando así la imagen deseada.

El arte urbano como terapia. Este es el resultado de la exposición Urbanart San Roque, un proyecto de Antoni Gabarre, que con el patrocinio de la refinería Cepsa del Campo de Gibraltar ha llevado al campus de La Rábida de la Universidad Internacional de Andalucía 30 fotografías de otros tantos jóvenes, que muestran sus obras de arte urbano. En el acto de presentación estuvieron presentes el propio artista y la vicerrectora del campus de La Rábida, Yolanda Pelayo. Antoni Gabarre es, entre otras muchas cosas, educador social y ha trabajo en lugares tan dispares como Bosnia e Irlanda del Norte y en cárceles.

París

Sede de grandes festivales, como el reciente Artaq, ha sido una de las primeras ciudades en dedicar grandes exposiciones a este tipo de arte, como la actual Au delà du Street Art en el Musée de la Poste. Su huella se puede seguir por casi todos sus barrios, aunque son especialmente famosos los muros de Vitry sur Seine o las obras que se pueden admirar a lo largo del circuito entre las estaciones de metro de Belville y Telegraphe

Londres

Es una de las indiscutibles capitales del arte urbano del mundo. Aquí trabajan muchos de sus grandes artistas y aunque se puede ver su obra por todo el tejido urbano, las zonas predilectas son Camden en cuyo Regent Canal tuvo lugar la guerra abierta entre dos leyendas, Banksy y Robbo; las inmediaciones del metro de Chalk Farm; y East London en cuyo eje entre Shoreditch, Brick Lane and Spitalfields se encuentra la meca del street art londinense y Leake Street en Waterloo.

Exponentes

Stash, del arte urbano a las grandes tiendas

Su verdadero nombre es Josh Franklin y nació en Nueva York. Su carrera comenzó a recibir reconocimiento cuando realizó la hazaña de pintar un vagón completo del metro en 20 horas. A partir de allí se dedicó a trabajar con importantes marcas, en especial de tenis, como Nike, Air Force y Lacoste.

Suele vestirse con ropa de la marca de su propiedad Recon/Nort, cuyas tiendas tienen sucursales en las más ciudades más cosmopolitas como Nueva York, San Francisco, Tokio y Berlín.

Se trata de todo un ícono del arte urbano, que se da espacio para compartir su trabajo en distintos lugares del planeta para placer de los fans.

Sam Flores, maestro del Fine Art

Descubre toda la armonía y provocación que transmite este artista autodidacta en una obra llena de naturaleza, perfección y misticismo. Nacido en Nuevo México, se distingue por una obra atrevida, innovadora, llena de personajes exóticos y paisajes naturales.

Ligado al arte popular y callejero, se ha convertido en todo un maestro en el Fine Art y el diseño de productos como skateboards, snowboards y artículos para el hogar.

Su obra se puede apreciar en las mejores galerías del mundo a través de exhibiciones individuales que ha tenido en Japón, Francia, Italia, Alemania, Singapur y a lo largo y ancho de EU.

Destaca por la manera particular en que retrata los colores de la naturaleza con un diseño armónico insuperable, sin recurrir a técnicas aprendidas en academias ya que es un autodidacta, desertor de la carrera de Arte. 

Sus personas suelen tener manos muy grandes, detalle clave para describir y valorar su obra, ya que este rasgo es propio del estilo urbano que ha cultivado.

Un maestro que transmite y comunica más allá de lo evidente.

La Filosofía tiene su lado gracioso

*Soy tan libre que mi ojo izquierdo tiene decisiones propias.
¬Jean Paul Sartre



*El tiempo sin ti es... ‘empo’.
-Martin Heidegger



Pienso,luego existo. ... Y luego ¿Qué?.



—Bienvenida a McDonalds, ¿Qué le doy? 
—¡Vergüenza! 
—¡Ya mamá, estoy trabajando! 
—Uy, perdóneme "Señor licenciado en Filosofía".

Gustavo Adolfo Bécquer

Biografía:

Originario de Sevilla, España, Bécquer nació el 17 de febrero de 
1836 siendo su padre un célebre pintor del costumbrismo sevillano 
quien dejó huérfano a Adolfo a los cinco años; comenzó sus primeros 
estudios en el colegio de San Antonio Abad, para luego pasar a tomar 
la carrera náutica en el colegio de San Telmo.
A los nueve años quedó huérfano también de madre y salió del anterior 
colegio para ser acogido por su madrina de bautismo. A la edad de 
diecisiete años dejó a su madrina y a la buena posición que ésta 
le proporcionaba para viajar a Madrid en busca de fortuna a través 
del campo de las letras que se le daba con facilidad. 
Como es conocido, no era fácil subsistir de la literatura y 
paradójicamente, Bécquer que deseaba encontrar fortuna lo que 
abundó fueron escaseces, por lo que se vio obligado a servir de 
escribiente en la Dirección de Bienes Nacionales, donde su 
habilidad para el dibujo era admirada por sus compañeros, pero 
fue motivo de que fuera cesado al ser sorprendido por el Director 
haciendo dibujos de escenas de Shakespeare. De este modo volvió 
Gustavo a vivir de sus artículos literarios que eran entonces de 
poca demanda por lo que alternó esta actividad con la elaboración 
de pinturas al fresco. 
Tiempo después encontró una plaza en la redacción de 
"El Contemporáneo" y fue entonces que escribió la mayoría de sus 
leyendas y las "Cartas desde mi celda".
En 1862 llegó a vivir con Bécquer su hermano Valeriano, célebre en 
Sevilla por su producción pictórica pero no por eso más afortunado 
que Gustavo, y juntos vivieron al día uno traduciendo novelas o 
escribiendo artículos y el otro dibujando y pintando por destajo; 
mucho les costó a los hermanos salir adelante de su infortunio y 
con el tiempo lograron juntos una modesta estabilidad que les 
permitía a uno retratar por obsequio y al otro escribir una oda 
por entusiasmo. 
Como legado para la literatura del mundo, Gustavo Adolfo Bécquer 
dejó sus "Rimas" a través de las cuales deja ver lo melancólico y 
atormentado de su vida; en el género de las leyendas escribió la 
célebre "Maese Pérez el Organista", "Los ojos verdes", "Las hojas 
secas" y "La rosa de pasión" entre varias otras. Escribió esbozos 
y ensayos como "La mujer de piedra", "La noche de difuntos", "Un 
Drama" y "El aderezo de esmeraldas" entre una variedad similar a 
la de sus leyendas. Hizo descripciones de "La basílica de Santa 
Leocadia", el "Solar de la Casa del Cid" y el "Enterramiento de 
Garcilaso de la Vega", entre otras. Por último, dentro del 
costumbrismo o folklor español escribió "Los dos Compadres", 
"Las jugadoras", la "Semana Santa en Toledo", "El café de Fornos" 
y otras más. 
En septiembre de 1870 dejó de existir Valeriano, duro golpe para 
Gustavo, que pronto enfermó sin ningún síntoma preciso, de pulmonía 
que se convirtió luego en hepatitis para tornarse en una pericarditis 
que pronto había terminar su vida el 22 de diciembre de ese mismo año.
Algunas de sus Obras:

RIMA I 

Yo sé un himno gigante y extraño 
que anuncia en la noche del alma una aurora, 
y estas páginas son de ese himno 
cadencias que el aire dilata en las sombras. 

Yo quisiera escribirle, del hombre 
domando el rebelde, mezquino idioma, 
con palabras que fuesen a un tiempo 
suspiros y risas, colores y notas. 

Pero en vano es luchar, que no hay cifra 
capaz de encerrarle; y apenas, ¡oh, hermosa!, 
si, teniendo en mis manos las tuyas, 
pudiera, al oído, cantártelo a solas.

RIMA XIII 

Tu pupila es azul y, cuando ríes, 
su claridad süave me recuerda 
el trémulo fulgor de la mañana 
que en el mar se refleja. 

Tu pupila es azul y, cuando lloras, 
las transparentes lágrimas en ella 
se me figuran gotas de rocío 
sobre una vïoleta. 

Tu pupila es azul, y si en su fondo 
como un punto de luz radia una idea, 
me parece en el cielo de la tarde 
una perdida estrella.

RIMA XXX 

Asomaba a sus ojos una lágrima 
y a mi labio una frase de perdón; 
habló el orgullo y se enjugó su llanto, 
y la frase en mis labios expiró. 

Yo voy por un camino; ella, por otro; 
pero, al pensar en nuestro mutuo amor, 
yo digo aún: —¿Por qué callé aquel día? 
Y ella dirá: —¿Por qué no lloré yo?.

LOVE & LUCK

Se presento un proyecto video anunciando el perfume de Ed Hardy Love & Luck y el equipo estuvo conformado por azael, leticia,karla, melissa, y su servidor.
Me agrado la forma en que se trabajo con el equipo siempre se mantuvo una comunicacion y cualquier duda o comentario se tomaba en cuenta, en mi opinion ese fue la clave para poder hacer el video y al final me gusto el trabajo.

Los pasos que se siguieron fueron:

-Escoger la tematica y el producto
-De que manera se presentara el producto
-Crear la empresa que desarrollaria el comercial
-Mision y Vision
-A que publico va dirigido
- Desarrollar la idea
-Storyboard
- Seleccionar a los actores
-Seleccion de escenerios
-Vestuario
-Y POSTERIORMENTE SE GRABO EL VIDEO.

Y ESTE ES EL TRABAJO FINAL

UN AGRADECIMIENTO A MI EQUIPO Y AL PROFESOR RURICO MILLAN.